Guitarrazos

No soy fan de Oasis, no fui a verlos cuando vinieron hace unos años ni fui a ver a su ex-líder, Noel Gallagher, el viernes pasado en San Marcos. Tampoco me llegaron muchos comentarios sobre la música que se tocó en el concierto. Normalmente habría pasado casi desapercibido para mí. Sin embargo, como muchos otros, no pude evitar enterarme de algo muy puntual que escribió en su blog después de este concierto y del pequeño revuelo que causó. Dijo, vaya horror, que Lima apesta a pescado…

Claro que, al leer el post entero, también me enteré de que casi todo lo que decía Gallagher sobre nuestra ciudad y público era bastante positivo y consideró que fue un concierto de los buenos (cosa que hasta fue mal traducida por algunos medios) y que la pasó muy bien. Es más, también dio a entender que le gusta el pisco sour ya que había tenido tremenda resaca por tomarse más de diez. Y sabemos cómo les encanta a muchos que nos digan que les gusta el pisco sour, el cebiche, Machu Picchu, así no hayan venido de turismo sino por su trabajo… Pero sólo trascendió públicamente ese pequeño detalle “negativo”.

¿Negativo? Todos sabemos que cada cierto tiempo Lima apesta a pescado. No sé, quizás no llegue ese olor periódico hasta La Molina, Ate o Chaclacayo, pero si vives relativamente cerca al mar (incluso en el Centro de Lima) sabes que cada cuantas semanas, y sobre todo en días nublados como hoy, nos invade un olor que no llega a ser nauseabundo pero que definitivamente no es agradable.

¿Por qué nos friega tanto que un extranjero repita lo que millones de limeños sabemos desde que nacemos? Lo han tomado como una crítica negativa pero para mí es un simple dato. Apestamos a pescado. No sé si por fenómenos marítimos, por desechos industriales de las fábricas de harina, o qué, pero es innegable que a veces apestamos. Para mí es un hecho y no importa si lo dice un peruano, un inglés o un marciano.

Sé que no es lo mismo, pero me hace recordar un poco al escándalo desmedido que causó una crítica mixta (no negativa, solo mixta) del New York Times al restaurante de Gastón Acurio. En esa ocasión algunas voces lúcidas anotaron que lo que pasa es que no sabemos cómo manejar que nos hagan recordar nuestros defectos o errores porque ni en la gastronomía ni en otros campos (en el arte en general) existe acá la crítica bien informada en los medios masivos. A veces solo existe la “franela” entre amigos y conocidos o, si no lo son, simplemente no aparecen. Otras, básicamente se repite las cosas positivas dichas por otros o los datos básicos.

Ahora, esto no es totalmente cierto en el rock. En algunos medios grandes como El Comercio sí llegan a aparecer comentarios que no son simples “cherrys” sino que miran tanto lo positivo como lo negativo en las obras reseñadas. A veces son incluso duramente negativos. Y en medios alternativos la crítica ha sido a veces muy dura (y hasta valientemente, ya que una vez hace más de 10 años una banda agredió físicamente a un crítico de la revista Caleta por lo que dijo de su disco…). Pero esas son excepciones, en la gran mayoría de espacios no existe, apenas hay lugar para que mencionen al rock en sus agendas, y (seamos sinceros) no hay en la mayoría de medios siquiera personas conocedoras del tema para poder dar una apreciación informada de algún nuevo lanzamiento o concierto.

El resultado de esta falta de crítica, combinado seguramente con algo de nuestra idiosincrasia y nuestra tendencia a formar pequeñas “argollas” y a favorecer a nuestras “tribus”, es que seamos hipersensibles a cualquier comentario que resalte aspectos negativos que parezcan involucrarnos. Al no entender bien la crítica, todo lo tomamos de manera “personal”, incluso encontramos ataques personales donde simplemente se cuestiona el sentido común. Y reaccionamos también de esa manera.

Hace unos años publiqué un artículo en la revista Dedo Medio donde argumentaba que “A Hard Day’s Night” es el disco más importante de los Beatles. Me pareció alucinante la cantidad de comentarios indignados que inmediatamente atacaban mis credenciales personales con preguntas como “¿quién es este para hablar de los Beatles?”. ¿Importaba mucho quién era yo? No, no tanto. Importan los argumentos y que la información sea más o menos exacta. Pero cuando veían que su sentido común era cuestionado (o sea, el que dice que el Sgt Pepper es el mejor, por ejemplo) se sentían personalmente agraviados.

Nada es perfecto. Hasta a mis discos favoritos del rock clásico les encuentro fallas y no por eso los quiero menos. El Revolver de los Beatles pierde brillo con Yellow Submarine, que casi siempre salto al escucharlo. El Sticky Fingers de los Stones pierde un poco de impulso en You Gotta Move (aunque también me gusta). El Who’s Next de The Who es casi perfecto pero si no estás de humor para canciones largas, el cierre con Won’t Get Fooled Again puede ponerte impaciente. Reconozco sus pequeña imperfecciones y si me hacen notar otras, no me ofenderé ni harán que me gusten menos.

Palabras finales para los que se ofenden porque les recuerdan que nuestra querida ciudad apesta a pescado: Una crítica no es como un insulto a tu madre, y encima esto era más cercano a un dato incómodo que a una opinión. Si es una opinión bien informada, no te ofendas si no estás de acuerdo. Haz un mejor argumento informado para contrarrestarla o, si no vale la pena ese esfuerzo, mejor ignórala nomás.

Freddy Mercury murió hace más de 20 años pero se estará “uniendo” al resto de Queen en un escenario de Londres este próximo lunes 14. Lo temía: Se está empezando a hacer realidad una pesadilla que tuve (despierto) hace poco, cuando me enteré del holograma del difunto Tupac Shakur rapeando en el festival Coachella.

Imaginé de pronto que en los próximos años los empresarios del rock, tan acostumbrados a sacar el jugo a las grandes estrellas del pasado, finalmente tiran la toalla y se olvidan de tratar de descubrir nuevos talentos. Simplemente deciden recurrir a los dinosaurios para todas sus necesidades, esos clásicos que hoy siguen siendo lucrativos después de décadas. Ya nada de ariesgar, dinero seguro ante todo.

En este futuro de horror, esos rockeros ya no importan tanto como músicos de carne y hueso sino como imágenes de marcas o como franquicias lucrativas representadas frente a públicos internacionales por hologramas que “tocan” los hits, los clásicos una y otra vez. Sin exigencias de rock stars, sin muertes por sobredosis, sin voces deterioradas… “We will rock you” en vivo en todo el mundo en el 2020, con hologramas juveniles y ágiles (protegidos por los derechos de autor del caso) que incluso pueden presentarse en varios continentes a la vez, si el precio ofrecido es el correcto. Mientras tanto, los integrantes originales sobrevivientes son “asesores artísticos” y reciben jugosas regalías sin moverse de sus hogares o casas de reposo.

Tan descabellado no es esto. Desde hace un tiempo, los rankings de las giras más lucrativas están cada vez más dominados por estrellas del pasado que han comprobado su valor como negocio y parecen no perderlo a pesar de envejecer. El 2011 fue un buen año para las grandes giras, pero las cuatro giras más lucrativas según Billboard fueron de artistas con más de 20 años de carrera: U2, Bon Jovi, Take That y Roger Waters. Esto no ha sido siempre así, y cada vez este negocio es más dependiente de los veteranos para ser lucrativos.

Esto no es sostenible, porque no salen nuevas estrellas con el mismo jale que las antiguas (la razón de eso, no la sé). Estos veteranos son de carne y hueso y algun dia se jubilaran o morirán. ¿Cómo asegurar que el show continuará indefinidamente? Hologramas, pues. Miren qué rápido ha llegado esto de Queen tras lo de Coachella. Yo pensé que demoraría más. ¿Quién será el próximo? ¿Habrán también pronto hologramas económicos para la escena local? En realidad, yo quisiera tener el mío para cuando me da flojera ir a ensayar. ¿Para cuándo, Apple? ¿iClone?

Usted, amable lector, ¿pagaría por ir a ver a unos hologramas tocando las clásicas del rock que conoce de toda la vida? ¿O quizás eso sería demasiado, pero sí aceptaría ir a ver a unos cuantos músicos viejos acompañados de indestructibles hologramas que reemplazan a sus colegas fallecidos?

A mí me divierte imaginar todo esto, pero perturba un poco, la verdad…

La semana pasada hablamos aquí de Automatic, un sello nacional que mantiene estándares similares a los principales sellos independientes del mundo, e incluso edita bandas reconocidas del extranjero en nuestro medio. Lo del otro sello que queríamos reseñar, Buh Records, es distinto, pero también admirable y con un pie en la escena internacional (editando, entre otros, al enigmático duo argentino Vluba). Sorprende por la diversidad de sus esfuerzos a pesar de las aparentes limitaciones de recursos, especialmente si tenemos en cuenta que difunden y distribuyen sus producciones en el circuito de tiendas y ferias “alternativas”, además de blogs y otros medios en línea.

Este es un sello nacional cuya cabeza visible es el multifacético Luis Alvarado y que se ha propuesto difundir música “experimental” de acá. Eso en la práctica significa dar cabida a muchas propuestas distintas entre sí, si es que nos guiamos por la diversidad de sus lanzamientos recientes. Lo hace con perseverancia y sin miedo, pero con algunas de las típicas limitaciones de los sellos peruanos de rock independiente, lo cual le exige editar en formato CD-R, por ejemplo. Esto, sin embargo, no significa que sean ediciones descuidadas ni mucho menos. Al contrario, todas están presentadas atractivamente en lo que respecta a sus empaques y portadas.

Es más, Buh Records no solo edita discos sino que tambien organiza conciertos, en los que se alienta la improvisación, las colaboraciones “ad hoc” entre músicos, y el ruidismo. Y además de discos y conciertos, el sello también produjo un documental (en asociacion con Algodón Realizadora), sobre la historia del “noise” en Lima, y mantienen un blog sobre este documental en http://ruidovulgar.blogspot.com/. Finalmente, mantienen el canal de YouTube “unautobus” donde difunden los videos de los conciertos que organizan: http://www.youtube.com/user/unautobus?feature=mhee.

Debo decir que, de los discos que he repasado del sello, el que más me gusta es uno de los menos experimentales (pero no por ello menos interesante). El EP de 4 canciones de Henry Gates, “Don’t Want the Sun to Shine Today” (quien, curiosamente, es bajista de Resplandor, banda de uno de los fundadores de Automatic, el otro sello que reseñamos) me parece uno de los lanzamientos más atractivos de la escena local de los últimos años. Se siente contemporáneo pero, como varios han mencionado, es evidentemente miembro de la tribu no tan pequeña de descendientes del Velvet Underground más melancólico y del Jesus and Mary Chain menos ruidoso (quizás podríamos agregar bandas como Galaxie 500 a esa lista).

A pesar de lo evidente de su filiación, hay suficiente variedad en este breve trabajo como para esperar con expectativa un disco completo, quizás con una producción un poco más pareja. Y no es que esté mal el sonido o las ejecuciones, pero se nota por momentos lo casero, lo cual tiene un encanto pero puede distraer de la calidad de las canciones mismas.

También están en las filas de Buh lanzamientos de Liquidarlo Celuloide, banda local que es conocida por colocarse firmemente en el ala más ruidosa y de menor estructura convencional en el rock peruano. Asimismo, está Fifteen Years Old, singular proyecto solista de Solange Jacobs que involucra a una performance en vivo desde una cama. Y está Ayahuasca Dark Trip, extraña exploración que incluye al muy joven guitarrista Brayan Buckt que también toca con Los Silver Mornings.

Si todo esto te llama la atención, este jueves 17 de mayo tendrás una oportunidad de verlo en vivo y en directo en el Centro de Lima. El concierto de Buh Records tiene como figura central  a Miguel Flores, integrante de la legendaria banda de rock pesado de los 70, Pax, y de un proyecto experimental mucho más “caleta” llamado Ave Acústica. Estará en vivo junto a el cuarteto de Anna Cuadra - Hamann - Brayan Buckt - Teté Leguía, y también estarán Fifteen Years Old, Liquidarlo Celuloide (acompañados del “Chino” Burga de La Ira de Dios), una performance colectiva de Efraín Rozas + Pauchi Sasaki + Raúl Jardín + Julio Zavala + Javier y Rodrigo, la banda joven y muy interesante (a juzgar por lo poco que he oido) Los Hijos del Culto, y Antena. Todo esto es el jueves 17 de mayo desde las 10 pm, con entrada de 7 soles, en Zela Bar (Av Nicolas de Piérola 961, Lima, Plaza San Martín).

En resumen, me parecen admirables las ganas y persistencia de Buh records. Definitivamente, no comparto su predilección por lo conscientemente “vanguardista” o “experimental” (la mayoría de las cosas más interesantes que conozco nunca creyeron serlo, o al menos eso quiero pensar yo), pero qué se yo, solo escucho rock y del relativamente convencional… Mejor denle una escuchada a estos lanzamientos, o mejor aún, escúchenlos y luego vayan a verlos en vivo y formen su propia opinión informada. A mí sus producciones me parecen valiosas para la escena peruana, a veces pecando de “arty” para mis gustos pero en otras realmente interesantes; sin embargo, a la vez lamento que casi no hayan sellos más netamente rockeros (o pop) con las mismas ganas, “huevos” y tan prolíficos como Buh Records como para ayudar a forjar escenas en sus respectivos estilos.

Tanto como con una banda, persistir por años con un sello discográfico independiente en un medio como el peruano es algo casi heróico. Lo más sorprendente es que no hay sólo uno o dos, sino muchos sellos que se han mantenido largo tiempo y que son muy diversos en estilo musical y en cómo se manejan.

Automatic Entertainment lleva varios años editando bandas peruanas (Resplandor, Kinder, Pauchi Sasaki, Theremyn 4) y extranjeras (The Radio Dept, entre varias más), y además de las labores de sello también trae bandas del extranjero a tocar en el Perú. Entre otras, podemos agradecerles la llegada de Jesus and Mary Chain en 2008; sé que han traído a varios más, pero de hecho estos últimos son los que encajan más en mis gustos y los disfruté plenamente en vivo y en directo. Lo suyo pasa por lanzamientos hechos pensando en el mercado internacional tanto como local, con página web impecable (mediante la cual se puede adquirir los discos), y siempre utilizando CD de fábrica (no cd-r o lanzamientos solo virtuales) y presentaciones comparables a las hechas por sellos independientes en otros lugares. Es realmente un lujo poder hacer todo esto en el Perú, y se han construido un merecido prestigio sobre la base de ese trabajo constante.

Sus dos lanzamientos más recientes son justamente ediciones peruanas de bandas extranjeras. Xiu Xiu, cuyo último disco “Always” ha salido este año con Automatic, es un reconocido grupo californiano con más de una década de trayectoria que, a mis oídos, suena a un post-punk algo minimalista y tocado con cierta sensibilidad “indie” contemporánea. Los sonidos sintetizados retro suenan juguetones por ratos, pero ellos y los tempos alegres contrastan con la intensidad y hasta cierta oscuridad en las letras (a veces sobre temas perturbadores o controvertidos como el aborto, incesto y más) y en los otros arreglos. No me suena tan diverso en influencias como lo que sugiere la descripción en la página de Automatic (no sé por dónde entran los sonidos de rock 50s, por ejemplo…), pero definitivamente es interesante y complejo, hay mucho por apreciar detrás de la eventual fachada de pop sintetizado. Por ahí dicen que es un hecho que vienen este año a tocar a Lima.

El otro lanzamiento reciente de Automatic es el tercer disco de los argentinos Altocamet. A ellos, además, ya los trajeron para tocar en 2009. Lo suyo es un pop rock contemporáneo con mucho de electrónico, con buena producción y canciones bien elaboradas. Debo decir, eso sí, que a mis oídos rockeros y poco “hip” les suenan muy característicamente argentinos y pop los vocales. ¿Eso es una crítica negativa? No necesariamente, pero por momentos me hacen recordar a bandas y solistas que probablemente ellos no han querido evocar. Es decir, los hace sonar más convencionales de lo que, asumo, quieren sonar.

En resumen, dos lanzamientos interesantes y muy bien presentados del que probablemente sea nuestro sello independiente más plenamente internacionalizado. No comparto todos sus gustos y estética pero creo que puedo apreciar el valor de lo que hacen.

En el próximo episodio, otro sello nacional bastante distinto, igualmente destacable: Buh Records.

En este mismo blog, aunque en distintos momentos, me he burlado de las ridículas versiones bossa/lounge de las clásicas del rock y también he reivindicado a Deep Purple y su inmortal y monolítico riff guitarrero en “Smoke on the Water” (1972). Pues bien, aunque lo parezca, esta no es la introducción de alguna condena sin misericordia a un tributo bossa a esos dinosaurios del hard rock.

Nada de eso. Más bien, un recorrido inocente por YouTube me acaba de tapar la boca. Quizás para algunos esto no sea noticia, pero para mí sí lo es (y seguro también para millones de otros desprevenidos): Uno de los dos o tres riffs de guitarra más distintivos del rock fue, aparentemente, “prestado” y apenas adaptado de un tema de bossanova en piano grabado seis años antes. Y no es un tema de ilustres desconocidos, sino interpretado en clave de bossa y jazz por la cantante Astrud Gilberto y el pianista Gil Evans, de quienes hasta un necio como este bloguero ha oido hablar.

Y yo que alguna vez traté de imaginar el momento de inspiración minimalista en que se le ocurrió a Ritchie Blackmore en Montreux, Suiza… Encima, la única evidencia del “préstamo” no es la música: Al menos uno de la banda, el tecladista Jon Lord, empezó su carrera como jazzero y es totalmente factible que haya escuchado este disco de Gilberto y Evans. Y fue compuesta por Deep Purple en medio de un festival de, lo adivinaron, jazz. La canción de Purple no solo es recordada por mí y por millones de fans, sino que tiene incluso una estatua en las orillas del Lago Ginebra ahí en Suiza.

Refresca tu memoria (o actívala) oyendo la clásica de 1972:

Y ahora, escucha desde el 0:10, ¿realmente puede ser sólo una coincidencia, sabiendo del cariño por lo ajeno que a veces tenían ellos y otros de su “promo” como Led Zeppelin?

Los robos de guitarras son muy comunes, lamentablemente. Le ha pasado a todo tipo de guitarrista de rock, desde leyendas como Jimi Hendrix, Tony Iommi, George Harrison y Jimmy Page, hasta este humilde bloguero y miles de otros sufridos anónimos. Perder una guitarra es más que una pérdida económica porque hay un lazo afectivo con ese pedazo de madera y metal, así que es una experiencia bastante desagradable.

Muchas guitarras de famosos han sido robadas como para recordar todas, pero en algunas ocasiones la cosa ha trascendido hasta convertirse en robos casi masivos. Algunos avezados han dejado su huella en la historia del rock saqueando bandas y colecciones enteras, y el último de estos super-robos fue hace sólo unos días.

Aquí lo repasamos como parte de seis robos notables del rock en los últimos 40 años:

1) TOM PETTY AND THE HEARTBREAKERS (2012)

En abril de este año, cinco añejas guitarras con un valor de 100,000 dólares fueron robadas  de una sala de ensayo en Los Angeles, donde la banda preparaba su gira norteamericana. Las guitarras de estos veteranos incluyeron a la increíble Rickenbacker de 12 cuerdas de 1967 de Tom Petty. La noticia dio la vuelta al mundo cuando ofrecieron $7500 por cualquier información que ayude a recuperarlas. Felizmente, tuvo una buena conclusión: Todas se recuperaron la semana siguiente a raíz de que un ladrón inepto empeñó una de estas maravillas por $250 en una tienda de Hollywood.

2) DINOSAUR JR. (2006)

Por el contrario, no hubo un final feliz para la banda pionera del rock alternativo gringo, Dinosaur Jr., cuando en agosto de 2006 se robaron todos sus equipos luego de tocar una noche en Nueva York. Los equipos estaban guardados afuera de su hotel y ellos estaban en plena gira.

3) FRANK BLACK AND THE CATHOLICS (2001)

Abril no es un buen mes para dejar tus cosas descuidadas. En la madrugada del viernes 13 de abril de 2001 les robaron todos sus equipos (por un valor de $70,000) a la banda del ex-líder de The Pixies. Ocurrió, igual que a Dinosaur Jr, afuera de un hotel en plena gira en Estados Unidos. Los artículos robados incluyeron cuatro guitarras Fender Telecaster de Black de los 60, o sea, instrumentos prácticamente irreemplazables.

4) SONIC YOUTH (1999)

Si se trata de instrumentos irreemplazables, el peor caso debe ser el de Sonic Youth en 1999. La escena ya suena familiar: en plena gira, se llevaron un camión lleno de sus equipos del estacionamiento de un hotel en California. En el caso de Sonic Youth, esto significó la pérdida de viejas guitarras y amplificadores especialmente adaptados a sus sonidos y afinaciones peculiares, imposibles de conseguir en el mercado. Esta pérdida los afectó por mucho tiempo y fue todo un hito desagradable en su carrera.

5) METALLICA (1984)

Años antes de ser unos multimillonarios a quienes no les podría afectar económicamente algo así, a Metallica también les robaron todos sus equipos tras un concierto en Boston. Les dolió particularmente la pérdida de un amplificador Marshall que se demoraron mucho en poder reemplazar. Todo esto de tener que empezar desde cero fue una experiencia tan traumática que inspiró la composición de una de sus canciones más famosas, “Fade to Black”.

6) THE ROLLING STONES/KEITH RICHARDS (1971)

Finalmente, uno de los robos más legendarios del rock ocurrió en Nellcote, la decadente mansión del sur de Francia donde los Rolling Stones grabaron “Exile on Main Street”, uno de sus más grandes discos. En efecto, la grabación de este disco se detuvo por un tiempo cuando Keith Richards descubrió una tarde, tras despertarse de una maratónica juerga, que alguien se había llevado once (¡11!) de sus guitarras, principalmente Fender Telecaster que él mismo luego describiría como “my babies”.

También estaba entre las robadas una Gibson Les Paul que había sido su guitarra principal entre 1966 y 1971, y la cual nunca volvió a encontrar. Recuperó muchas de las guitarras, y según Richards, atraparon al tipo que las robó y le cayó su merecido…

El mercado discográfico del siglo 21 se parece en algo muy puntual al de los años 50 y 60: el formato en auge es el disco de vinilo. En EE.UU. y Europa, es el formato cuyas ventas aumentan más cada año. La gran diferencia, claro, es que hace 50 años el vinilo era el rey, y ahora es un producto minoritario pero con mucho caché. Para redes de fanáticos rockeros en estilos desde el hardcore punk y death metal hasta el indie pop, el lanzamiento en vinilo es, cada vez más, la moneda vigente. Es cierto que puedes descargar de todo para escuchar en tu reproductor de mp3, incluso gratis e ilegalmente, pero los conocedores cada vez están más convencidos de que no hay nada como la experiencia de tener el artefacto original en tus manos, con el arte original y con el sonido pleno.

Acá en el Perú ya no tenemos fábricas de vinilos hace mucho tiempo, pero las bandas peruanas en estilos no comerciales nunca dejaron de ser editadas en el extranjero. Incluso en los 80, los pioneros del hardcore Ataque Frontal tuvieron una edición en vinilo francesa. Después de que cesó la producción nacional de vinilos en los ochenta, los noventa fueron una época un poco baja para los peruanos en vinilo, acá o en el extranjero, pero hacia el 2000 bandas como Dios Hastío y Manganzoides eran editadas en sellos extranjeros en vinilo.

En los últimos años se ha consolidado esta buena costumbre, especialmente con bandas como La Ira de Dios que regularmente tiene lanzamientos en el exterior desde los primeros años de los 2000. Mundialmente, es un mercado pequeño pero saludable y cada vez más activo, y acá está empezando a pasar lo mismo. En estos primeros meses del 2012 se han anunciado en las redes sociales las llegadas de pequeños lotes de vinilos de bandas independientes peruanas editadas por sellos extranjeros y a continuación repasamos algunos.

“Tlön III” es el tercer disco de Tlön, una muy particular y destacada banda nacional que retomó en los 2000 lo iniciado hace 40 años por Tarkus, agrupación peruano-argentina que fue pionera del rock pesado en América Latina. Este power trio incluye actualmente en la guitarra y voz a Christian Van Lacke, que además es hijo de uno de los Tarkus, y a los ya míticos Walo Carrillo (notable baterista de Los Holy’s, Telegraph Avenue, y la misma Tarkus, entre otros), y Cesar Bustamante (nada menos que de Frágil, en el bajo). Tlon III ha sido editado por el sello alemán Nasoni y ya se encuentra en cantidades limitadas en tiendas limeñas. El disco mantiene el toque pesado y psicodélico que los ha caracterizado, donde los pasajes eléctricos a veces ceden lugar a sonidos acústicos, y ha sido considerado por medios extranjeros como el más refinado y versátil del grupo a la fecha.

TLON, “HIJA DE NUBES”

Siguiendo por el lado más psicodélico, otra banda local con flamante lanzamiento en vinilo es SERPENTINA SATÉLITE. En su caso, es una reedición alemana de su segundo CD de 2008 “Nothing to Say”. El sello World in Sound lo lanzó en una edición limitada en noviembre de 2011 y acaba de llegar un lote a Lima. Serpentina Satélite se formó en el 2003 y se ha caracterizado por una influencia de la psicodelia y el kraut rock, con temas largos, que a veces son viajes etéreos y a veces son pesados, ruidosos y viscerales.

SERPENTINA SATÉLITE, “THE LAST DROP”

Para las próximas semanas también se anuncia el lanzamiento en vinilo de “Granada de Guerra” nuevo disco de la recorrida banda de punk rock Aeropajitas, en colaboración con Canalla Records de Estados Unidos. Y, por el lado de las reediciones, la legendaria maqueta compilatoria “Vol. 1″ que fue un punto clave del rock subterráneo de los 80 acaba de llegar a Lima en edición de vinilo de EEUU, e incluye las primeras grabaciones de Leusemia, junto a tres bandas más: Guerrilla Urbana, Autopsia y Zcuela Cerrada. En el terreno de las bandas subte de los 80, ya hace poco habíamos tenido la edición en vinilo de Narcosis que comentamos en este blog en 2010.Yendo un poco más atrás, también encontramos reediciones de Los Saicos, Los Shain’s y más en vinilo a través de sellos especializados.

La familia de bandas independientes peruanas que más ha editado en vinilo en los últimos años ha sido la de Ogro Records. Incluso han tendio un vinilo que ha salido bajo el sello exclusivo de Ogro, el tercero de la banda de rock pesado Reino Ermitaño, “Rituales Interiores”. Otras bandas que pertenecen a Ogro han sido editadas primero en CD en dicho sello peruano y luego su versión en vinilo ha estado a cargo de sellos europeos o estadounidenses. Estos incluyen, cronológicamente, a La Ira de Dios con su primer disco, Hacia el Sol Rojo, y el segundo, Archaeopterix, los cuales aparecieron en vinilo a través de la mencionada Nasoni, de Alemania. Luego, la también mencionada World In Sound les editaron los discos Cosmos Kaos Destrucción y Apus Revolution Rock, y tienen planeado editar su siguiente disco.

Nasoni de Alemania también editó en vinilo los discos anteriores de Tlön, I y II, que acá estuvieron a cargo de Ogro, mientras que la banda Necromongo editó en el 2011 a través de Lengua Armada de EEUU, y La Garúa será editada en vinilo también en World In Sound este año.

No vas a encontrar ninguno de estos vinilos en la tienda de la esquina, es cierto, y tendrás que ir a Galerías Brasil, otras tiendas especializadas, o coordinar por redes sociales para poder adquirirlos. Sin embargo, hay dos cosas innegables. Primero, que cada vez se afianza más el vinilo como formato estándar y de prestigio en el mundo del rock, en estos géneros y otros. Y, segundo, que las bandas peruanas independientes, a pesar de las dificultades para desarrollarse acá, cada vez están más articuladas con lo que pasa en el resto del mundo y son bien apreciadas.

Lollapalooza 2012 vino, conquistó y se acabó para Sudamérica. Este año no pude repetir el plato memorable de abril 2011 en Chile, pero está en camino a convertirse en una tradición, así que seguramente ya habrá otra oportunidad…

De hecho, el cartel sudamericano 2012 estuvo respetable pero no me generó demasiada envidia de quienes sí pudieron ir. Sin embargo, no puedo decir lo mismo del cartel de la versión de Lollapalooza en su Chicago natal este año, que acaban de revelar la semana pasada. Allá es un festival más largo, de tres días, y además creo que este cartel confirma que todavía es de mayor calibre que sus hijos sudamericanos en Santiago y Sao Paulo.

Una regla totalmente arbitraria que tengo en la cabeza es que los festivales de primera deben tener a algún dinosaurio sobreviviente entre sus platos fuertes. Como, en el pasado no tan lejano, Coachella con los Stooges coronando un cartel extenso. Y vaya que tiene sus dinosaurios sagrados Lollapalooza 2012 en Chicago: ¡Black Sabbath! Los padres del rock pesado estarán presentes, con Ozzy Osbourne a la cabeza, a pesar del tratamiento contra el cáncer que está atravesando su guitarrista Tony Iommi.

Además de los dinosaurios obligados, también tiene un regreso, y de unos favoritos personales: Afghan Whigs, una de las mejores bandas de los 90 a mi parecer, quienes están volviendo a los escenarios después de 13 años. Y los otros estelares incluyen a Red Hot Chili Peppers, The Black Keys, Jack White, Sigur Ros y Franz Ferdinand, entre otros, cualquiera de los cuales hubiese condimentado muy favorablemente el cartel sudamericano de este año, que tuvo como estelares a Foo Fighters, Bjork y Arctic Monkeys. Estelares, sí, pero un poco insípidos como platos de fondo de un gran festival rockero, ¿o no?

El festival del 3-5 de agosto en Grant Park de Chicago fue transmitido via YouTube el año pasado, y nos queda la esperanza (y consuelo) de que eso suceda nuevamente este año. Esa es otra sana costumbre que se está instalando, hace muy poco también transmitieron Coachella, el gran festival del desierto de California, en vivo para todo el mundo.

Entrando aquí pueden encontrar toda la información oficial sobre la madre de los Lollapaloozas de este año. Y cierro con un video de los geniales Afghan Whigs, por si no los conocías… una banda que a primera escucha puede sonar como una más del rock norteamericano alternativo de los 90, pero si prestas atención encuentras mucho más.

The Afghan Whigs, “Gentlemen”

Este sábado 14 de abril en Cleveland (EE.UU.), varios artistas serán introducidos oficialmente al Salón de la Fama del Rock’n Roll. La atención del mundo rockero está puesta sobre todo en Guns’N Roses, quienes han sido aceptados en su primer año de elegibilidad (para ingresar, tienen que haber pasado 25 años desde tu primer lanzamiento) y ahora la gran interrogante es si la formación oficial se reunirá para tocar por primera vez en más de 20 años, celebrando la ocasión.

No niego la importancia de GNR para muchos millones de fans, y ciertamente su primer disco sigue sonando vital y destructor. Pero, como mencioné en un post anterior, cabe recordar que por cada GNR hay un montón de otras grandes bandas que han sido elegibles por muchos años y aún no ocupan un lugar en el Salón. ¿Ejemplos? Desde Deep Purple y King Crimson hasta The Smiths, desde los MC5, T-Rex y New York Dolls hasta Joy Division, entre muchos, muchos más. Esto le quita credibilidad a este evento anual, pero el show sigue adelante y así cada año se está perpetuando una versión un poco sesgada de lo que ha sido la historia del rock.

Uno de los principales sesgos es contra las bandas que nunca vendieron millones de discos en los EEUU, no obstante la gran influencia que hayan ejercido y el valor de su obra musical. Pero este año, cosa rara, se hace un poco de justicia y estarán ingresando a unos ingleses netos que tienen más de 20 años esperando.

Lástima, eso sí, que incluso cuando se enmiendan meten un poco la pata, porque están introduciendo al Salón a dos bandas muy distintas como si fueran una sola unidad: los Small Faces, brillantes líderes de la movida Mod británica de los 60, y su encarnación posterior, los Faces, rockeros guitarreros, borrachosos y entrañables de los 70, con Rod Stewart y el futuro Rolling Stone Ron Wood a la cabeza.

Sospecho que si no fuera por la presencia de esas dos estrellas (que hace tiempo ya son parte del Salón) en los Faces, los Small Faces jamás habrían entrado y seguirían indefinidamente en la honrosa lista de espera con otros ingleses de los 60 como los Pretty Things y los Zombies, entre tantos más. En todo caso, lástima también que dos de los integrantes ya no estén vivos para celebrar la ocasión.

Es imposible reseñar juntos a los Small Faces y a los Faces de la manera que merecen en un solo post, ya que las dos son bandas importantes y por distintas razones. Me limito por ahora con dar una humilde presentación de los primeros (que suelen ser los más olvidados últimamente) y decir que al inicio eran mucho más pegados al Motown pero luego se dejaron influenciar por la psicodelia, a la vez que se volvieron cada vez más creativos en la composición y producción.

Formados en 1965, su éxito fue inmensamente mayor en el Reino Unido que al otro lado del charco, al igual que su influencia sobre otros artistas en décadas posteriores, especialmente en el sonido de Manchester y en el Brit pop de los 90. Los distinguía la voz gritona y expresiva de Steve Marriott (más adelante en Humble Pie, y quien falleció en 1991) y el teclado Hammond de Ian McLagan. En sus filas también estaban Ronnie Lane (bajo, y luego de los Faces a secas, fallecido en 1997) y Kenney Jones (que reemplazaría nada menos que a Keith Moon en The Who).

Para muestra de su grandeza, tres botones. Uno de sus primeros éxitos, “Sha La La Lee” (aquí versión sudorosa en vivo de 1966), con toda la exhuberancia del rock de mediados de los 60, luego una canción ligeramente más psicodelica, “My Mind’s Eye” y finalmente “Afterglow”, de su brillante disco “conceptual” “Ogden’s Nut Gone Flake” de 1968, una de las joyas subvaloradas de los 60.

No sé si se reunirán GNR o no este sábado, pero para mí ya con la entrada de los Small Faces y Faces hay algo que celebrar.

THE SMALL FACES, Sha La La Lee

My Mind’s Eye

Afterglow (of your love)

En el mundo de las empresas, diversificar es bueno. Dicen que la diversificación es una estrategia de expansión donde la empresa desarrolla nuevos productos y nuevos mercados, al mismo tiempo. Todo muy bien para las empresas. ¿Y para las bandas de rock? Este bloguero es un poco anticuado en eso, y le cuesta digerir esa visión de las bandas como empresas que tanto le gusta a los “gianmarcos” de la industria… y más aún como empresas que se “diversifican” en cosas que nada tienen que ver con la música. Hay que recursearse, sí, ¿pero en lo que sea?

Yo presté atención hasta la época en que todos vendían discos, polos, afiches, libros, stickers, banderolas, fotos… Hasta ahí nada que llame mucho la atención. Productos afines a las giras y lanzamientos discográficos, podríamos llamarles. Pero no sé en qué momento las cosas se fueron un poquito lejos (para mí) y ahora es común que las grandes bandas y otras no tan grandes tengan hasta su propia línea de vinos. Sí, de vinos. Y yo que pensaba que era algo tan peruano y pintoresco que Abencia Meza tenga su propia marca de cerveza…

Lo más curioso es que justamente son bandas añejas las primeras que han incorporado esta innovación a sus “líneas de negocios”. Primero me enteré de los vinos “Hells Bells”, “Highway to Hell” y otros de AC/DC, lanzados el 2011, y pensé que era algo único y novedoso, pero escarbé más y entendí que era solo la punta del iceberg.

Catar vinos puede parecer una afición algo “delicadita” para los machos del thrash metal, pero Slayer ha sido la más reciente banda en anunciar que lanzan su propio vino tinto, ‘Reign In Blood’, un Cabernet Sauvignon californiano (hecho de uvas, no de sangre humana, porsiaca) con el nombre de uno de sus mejores discos. 
Dicen que por ahora solo se consigue en Suecia vía Brandsforfans.se. 

Y tanto como Slayer, me sorprende Motorhead, que también tiene el suyo: Motörhead Shiraz.

Un poco menos me sorprende KISS, con sus vinos y cervezas. Ya Gene Simmons ha dejado bien claro que su droga es el dinero y que todo lo ve negocio.

Pero no sólo las bandas duras, viejas y vigentes están entrando al mundo de los vinos. Otras un poco desfasaditas también lo hacen: los pop-metaleros de Warrant y Ratt (no voy a negar que me gustan algunas de sus canciones, eso sí) también están preparando sus líneas de vinos californianos. Los de estos y otras bandas se encuentran en: www.artistwine.com.

Y no debería sorprender que esta moda empresarial también llega al lado más pop. Ahí están los californianos de Train, quienes no tienen solo unas cuantas botellas, sino todo un club de vinos. El Train Wine Club tiene página web donde los fans se enteran sobre su vino del mes…

Finalmente, y esto quizás debería sorprendernos menos todavía, algunos de los dinosaurios corporativos del rock tienen sus líneas de vinos bien establecidas. The Grateful Dead (hoy una marca y no una banda) tiene los suyos, y Pink Floyd y los Rolling Stones tienen los suyos desde 2009 y los puedes comprar en línea.

No cabe duda que las bandas tienen derecho a hacer los negocios que quieran pero, ¿no malogran un poco su imagen para quienes tenemos una idea más romántica o idealizada de los músicos rockeros auténticos? Quizás seamos una minoría en extinción e insignificante.